Ulrike Kristin Schmidt

Die sogenannte dunkle Jahreszeit ist längst zur Zeit der Lichter geworden. Schon Ende Oktober werden die ersten Adventssterne montiert. Auch der Kulturort Galerie Weiertal beteiligt sich am grossen Leuchten mit einer Ausstellung von 15 künstlerischen Positionen.

Eine halbe Stunde vor der Ausstellungseröffnung wird noch gewerkelt. «Ich brauche Klebeband!», tönt es aus der einen Ecke. «Ich kann nicht alles auf einmal machen», klagt es aus der anderen. Eine Lichtkunstausstellung unter freiem Himmel stellt besondere Anforderungen an die Infrastruktur und die Technik. Gebrochene Kabel müssen geflickt oder ersetzt werden, für Wege und Stege muss Beleuchtung montiert werden. Denn der Kulturort Weiertal liegt am Rande von Winterthur; dort, wo keine Kandelaber mehr stehen, wo sich die Lichtglocke über der Grossstadt langsam im Dunkel des nahen Waldes auflöst. Dort, wo das künstliche Licht etwas ferner und die stille Natur etwas näher ist, findet aktuell die zweite Ausgabe von «Lichterzauber Weiertal» statt. Insgesamt ist es sogar bereits die dritte Schau dieser Art, doch die allererste Ausgabe erwies sich als technisch zu aufwendig: Sie fand im Tösstal statt, wo keinerlei Ausstellungsinfrastruktur vorhanden war. Deshalb wurde vor drei Jahren in den Kulturort Weiertal gezügelt. Maja von Meiss veranstaltet hier seit Jahren attraktive Sommerausstellungen in der Idylle eines grossen Gartens.

Licht zwischen Kunst und Dekor

Auch im Spätherbst entfaltet der Ort seinen Reiz, zugleich zeigen sich seine Herausforderungen: Ein Bach durchfliesst das Areal, die Brücken sind im Dunkeln nicht zu finden. Also konkurrieren jetzt LED-Lichtketten mit der Kunst. Die Grenzen sind fliessend, denn so manches Lichtkunstwerk ist nahe am Dekor. Manches sucht absichtlich die Nähe zur adventlichen Illumination. Anderes mutet in seiner bewussten oder unbewussten Herleitung von kommerzieller Beleuchtung eher unbedarft an.
Einige der ausgestellten Werke sind der Videokunst zuzuordnen und sorgen für besonders eindrückliche Momente der Ausstellung. So lässt beispielsweise Ursula Palla einen Schwarm Glühwürmchen über einen Weiher fliegen: Seerosenblätter werden zur Leinwand für eine Videoprojektion. Palla schliesst hier an ihre Arbeiten zu ökologischen Themen an, die aktuell auch im Vebikus in Schaffhausen und ab 20. November auch im Kunstraum Dornbirn zu sehen sind. Einerseits erinnert Fireflies 2026 an Zeiten, in denen Leuchtkäfer noch zu Tausenden an langen Sommerabenden unterwegs waren. Andererseits verweisen die Lichtpunkte auf die Unendlichkeit des Kosmos, in dem wir Menschen nur für einen Augenschlag existieren. Die Zürcher Künstlerin findet dafür einen ebenso poetischen Ausdruck wie das Künstlerduo raar, bestehend aus Richard Albertin und André Ribi. Beide lassen kleine Lichter im Sandboden eines kleinen Schuppens blinken. Sie werden begleitet von einer Soundspur mit Grillengezirpe. Assoziationen zu Sommernächten und Sternenhimmel liegen ebenso nahe wie die Erinnerung daran, dass die Lichtemissionen es sind, die den realen Sternenhimmel verblassen lassen.

Nachtaugen und Neonringe

André Bless richtet seinen Blick aufs Kleine. Das Fallobst unter den Apfelbäumen inspirierte den Künstler zu einer Videoinstallation: In der Wiese platzierte weisse Kugeln werden dank der Projektion zu fünf Augenpaaren. Nacheinander verwandeln sie sich in Froschaugen, Krokodilsaugen und in die staunenden Glubschaugen einer Comicfigur. Auch Eva von Wartburg bezieht sich auf die Natur. Sie projiziert farbige, mit KI errechnete Unkräuter auf eine Trauerweide. Die bunten Pflanzen schlingen sich um den Stamm des Baumes und verbinden konstruierte und organische Natur – eine Grenze, die ohnehin mehr und mehr unscharf wird. Eva von Wartburg hat dieses Werk eigens für die Ausstellung entwickelt. Aber auch bestehende Werke fügen sich sehr gut vor Ort ein, wie beispielsweise Christian Herdegs Pink/Sky Blue aus dem Jahr 2008: Der Pionier der Schweizer Lichtkunst zeigt seine Installation aus farbigen, sechs Kreise formenden Neonröhren im kleinen Gartenpavillon. Geometrie, Farbe und Licht und die Architektur des winzigen Häuschens passen zusammen wie füreinander geschaffen.
Auch Christopher T. Hunzikers Arbeit «Merry Christmas Mr. Godot» liesse sich durchaus in anderen Kontexten zeigen, hat aber im Weiertal den perfekten Platz: Holztisch und -stuhl stehen auf dem Acker neben dem Garten. Über dem Ensemble hängt eine einfache Lampe wie an einem Galgen. Es braucht wenig, um einen Raum schaffen – minimales Mobiliar und ein Lichtkegel reichen aus. Vielleicht kommt Godot, vielleicht kommt er nicht. Aber fürs Warten ist es zu kalt. Die Nacht zieht ins Weiertal. Und der Bahnhof Winterthur Wülflingen ist zwei Kilometer entfernt.

«Lichterzauber»: bis 12. Dezember, Kulturort Galerie Weiertal, Winterthur.

Klick – fertig ist die digitale Aufnahme. In diesen schnellen Zeiten entfaltet die langsame Fotografie wieder ihren Reiz. Der Teufener Martin Benz zeigt seine in langen Prozessen entstandenen Bilder im Otto Bruderer Haus in Waldstatt.

Algen am Strand sind lästig. Sie stinken, sind glitschig und ziehen die Fliegen an. Im Wasser hingegen stören sie beim Schwimmen und setzen sich an Schiffsrümpfen fest. Aber sie können viel mehr. Sie sind der Welt grösster Sauerstoffproduzent. Sie dienen als Baustoff, Lederersatz, Nahrung – und als künstlerisches Material. Wie gut sie sich dafür eignen, zeigen Martin Benz und Doris Willi im Otto Bruderer Haus in Waldstatt. Ausgangspunkt der kleinen, sehenswerten Ausstellung «it slips over it as shadows do» ist Martin Benz´ Atelierstipendium der Ausserrhodischen Kulturstiftung: Der Künstler absolvierte damit 2025 einen Arbeitsaufenthalt in England. Ausgangspunkt war sein Interesse an nachhaltiger Fotografie. Im Zeitalter der Digitalfotografie geht schnell vergessen, wie materialintensiv und sogar giftig Trägermaterial, Entwickler- und Fixierflüssigkeiten sind: Benötigt werden unter anderem Gelatine, Silber, Kupfer, Plastik, seltene Erden, Bitumen – die damit verbundenen Umweltschäden prägen die Geschichte der Fotografie bis heute.

Variationen über ein Thema

Aber es geht auch anders: In England arbeiten Labore und Ateliers wieder mit ressourcenschonenden Materialien und historischen Techniken, wie sie seit den Anfängen der Fotografie im 19. Jahrhundert bekannt sind. Auch lange Belichtungszeiten gehören dazu – ein Thema, das Martin Benz seit langem interessiert. Der in Teufen lebende Künstler arbeitet mit Lochkamera und mit Direktbelichtungen und mit pflanzenbasierten Entwicklern verwendet. In England nutzte er Gewächse wie Gallapfel, Schalen der Wilde Möhre, Malve oder Blasentang. Die Pflanzen sind damit sowohl Material als auch Motiv der Ausstellung. Beispielsweise in den Cyanotypien von Meersalat: Dafür legt er die Algen auf Papier, setzt sie dem UV-Licht aus und bearbeitet die Blätter weiter. Zart heben sich die Umrisse, Falten und Löcher der Algen vom Untergrund ab. Mal erscheinen sie hell vor dunklem Grund, mal in unterschiedlichen Blau- oder in Beigetönen – Martin Benz experimentiert und variiert.

Wie aus einer anderen Zeit

Algen sind nicht das einzige Motiv des Künstlers. In den Küstenorten hat er mit der Lochkamera beispielsweise Hafenanlagen, die Siedlungen und die Plastikabfälle der Fischerfangindustrie am Strand fotografiert. Denn auch sie gehören zu den Landschaften Englands: In den Fotografien mit ihren unzähligen Braun- und Grauschattierungen wirkt alles zwar wie aus einer anderen Zeit, dennoch blenden Martin Benz und Doris Willi den menschlichen Einfluss auf die Natur nicht aus. Die Gestalterin hat beispielsweise Reste von Fangnetzen am Strand gesammelt und häkelt damit Steine ein. So werden die Plastikabfälle zu filigranem Handwerk. Wertschätzung bringt Doris Willi auch uhauf vorkommenden Blasentang entgegen: Sie hat ihn getrocknet und teilweise vergoldet. Ausgestellt in Petrischalen und unter Glasglocken kommen diese Algen jetzt wie Preziosen daher.
Doris Will und Martin Benz zeigen: genau hinzuschauen lohnt sich. Sie sind mit zwei Kisten voller Labormaterialien und -werkzeugen nach England gereist und bringen nun ein Stückchen Meeresküste ins Appenzellerland.

https://www.appenzellerzeitung.ch/ostschweiz/appenzellerland/martin-benz-zeigt-fotos-im-otto-bruderer-haus-in-waldstatt-ld.4255888

Klimt liebte Katzen, zeichnete aber einen Pudel, Franc Marc malte grüne Kühe – Tiere sind seit den ersten Höhlenzeichnungen ein beliebtes Sujet in der Kunst. Die Sammlung Hans Bäumler widmet den tierischen Motiven eine Ausstellung, die in Kooperation mit dem Museum für Angewandte Kunst Wien entstanden ist.

A wie Affe, B wie Bär, C wie Chamäleon – das Tier-ABC ist weit verbreitet in Schulbüchern, auf Schautafeln, auf Arbeitsblättern. Lustig und leicht verständlich soll es Kinder anregen zu lesen, zu schreiben, zu buchstabieren. Wenn allerdings den Buchstaben C eine barbusige Chimäre repräsentiert, dann ist eine andere Zielgruppe gemeint: Das Tieralphabet in der Sammlung Hans Bäumler will Kunstinteressierte ansprechen. Seit sieben Jahren zeigt der Textilfabrikant aus Ingolstadt seine Sammlungen im Gewerbepark in Hohenems öffentlich. Im zweiten Obergeschoss des Zweckgebäudes im Bäumler-Park sind ausserdem Wechselausstellungen zu sehen, aktuell die Schau «Grüne Kuh und Ziegenbock». Sie entstand in Kooperation mit dem Museum für angewandte Kunst in Wien. Diese Zusammenarbeit darf als Gütesiegel gelten und bringt Glanzstücke der grafischen Kunst nach Hohenems – präsentiert in alphabetischer Reihe. Diese ungewöhnliche Herangehensweise verzichtet auf thematische oder wertende Einordnung. Trotzdem sorgt sie für überraschende Momente, denn sie orientiert sich an den Bildtiteln. So findet sich unter U nicht etwa das Porträt eines Uhu, sondern Alfred Kubins «Ultra in Fieberwäldchen»: ein riesiges Gürteltier, das über Menschenschädeln und Rippenknochen hockt und bereits auf den nächsten leblosen, nackten Körper schielt.

Schwerpunkt Jahrhundertwende

Der österreichische Künstler und Gestalter ist mit mehreren Werken in der Ausstellung vertreten und repräsentiert beispielhaft ihren Schwerpunkt: Das Tier war ein wichtiges Motiv in der Wiener Jahrhundertwende zwischen Jugendstil und Expressionismus. Es bot Anlass für Abstraktion und Symbolik, für Naturstudium und für Erzählung wie beim Farbholzschnitt «Der rauchende Ziegenbock» des Illustrators Ludwig Heinrich Jungnickel: Elegant gekleidet, mit übereinander geschlagenen Beinen sitzt der Bock auf einem Hocker, die Zigarette in der Hand. Jungnickel wurde für seine Tierbilder berühmt und war ein Künstlerkollege von Oskar Kokoschka und Gustav Klimt, von denen ebenfalls mehrere Werke zu sehen sind. Klimt, bekannt für opulente Gemälde mit Blattgold und reicher Ornamentik, zeichnete mit schwungvoller Hand einen Pudel. Der trifft nun trifft auf Marie von Uchatius´ Musterentwurf aus Panthern, auf ein rätselhaftes «Perlthier», den Farbholzschnitt eines Pfaus und auf ein fotografiertes Skelett einer Puffotter.

M wie Moloch

An anderer Stelle im Alphabet begegnen sich Fische, Füchse, Frösche und Flamingos. Unter dem Buchstaben M reisst ein «Moloch» sein Maul auf und lässt gelbe, spitze Zähne blitzen.
Der Rundgang durch die Ausstellung gleicht weniger einem zoologischen Spaziergang als einer Reise zu den vielfältigen Inspirationsquellen für die Kunst und die Grafik. Sie zeigt, wie gut sich Vögel und Salamander zu Mustern aufreihen lassen, wie Tiere als Begleiter, Individuum oder Schmuck gesehen werden. Sie versammelt Skizzen, Aquarelle und Fotografien genauso wie Entwürfe für Schachfiguren, Spielkarten und Textilien aus den Wiener Werkstätten. Auch Postkarten gehören zu den ausgestellten Werken. Zum Beispiel vom deutsch-schwedischen Gebrauchsgrafiker und Karikaturisten Thomas Theodor Heine. Auf der Rückseite der Karte schreibt deren Absender: «Plakat gut! Rest scheusslich». Diese prägnante Wertung hallt nach: Die gute Ausstellung steht der sogenannten Bäumlerschen «Sammlung Natur» gegenüber – nicht nur räumlich, sondern auch in übertragenem Sinne. Denn Hans Bäumler zeigt in Hohenems nicht nur die Sonderausstellung und seine «Sammlung Kunst» mit bemerkenswerten Gemälden vor allem aus dem 19. Jahrhundert, sondern auch Tierpräparate. Wenige Schritte sind es von den meisterhaften Tiergrafiken zu ausgestopften Bären, Löwen, Giraffen, zu Elch- und Hirschköpfen. Diese Jagdtrophäen des Sammlers und seiner Waidgenossen sind lapidar oder gar nicht angeschrieben und keineswegs naturkundlich eingeordnet. Im Vorwort des Ausstellungskataloges ist zu lesen, Hans Bäumler liebe die Natur, insbesondere die Tierwelt – die Frage bleibt, in welcher Form.

Der Appenzeller Künstler Stefan Inauen liebt das Experiment und setzt sich seit langem dafür ein, dass zeitgenössische Kunst gesehen wird. Nun will er seine Kunst mit dem Wohnwagen nach Appenzell bringen. Dafür hat er den Werkbeitrag 2026 der Innerrhoder Kulturstiftung erhalten. Ein Besuch in seinem Atelier.

Brachial frisst sich die Motorsäge ins weiss grundierte Holz. Fasern reissen, Splitter stellen sich quer, langgezogene Kerben zerfurchen das glattgehobelte Brett. Die Spuren liegen mal parallel, mal kreuz und quer, mitunter formen sie tiefe, ausfransende Krater. Darüber legt sich die Farbe: In Rosa, Hellblau oder Grün betont sie Areale, glättet optisch die rohe Oberfläche. Bis der nächste Hieb kommt. Mit der Motorsäge hat Stefan Inauen ein neues Ausdrucksmittel für sich entdeckt. Der 1976 geborene Künstler mit einer langen Liste an Einzel- und Gruppenausstellungen lebt in Appenzell, hat in Berlin Kunst studiert und arbeitete in den letzten Jahren vor allem an grossformatigen Spraybildern. Seit diesem Sommer widmet er sich expressiven Reliefs auf grossen Holztafeln. Gleichsam als Kontrast zu den kleinformatigen Aquarellen, die seit dem vergangenen Jahr entstehen: Innerhalb geometrischer Formen lässt er die Farben auf dem Papier fliessen. Sie entfalten ein reiches, poetisches Zusammenspiel in unendlichen Variationen, als wollten sie zeigen, wieviele Bilder sich mit zehn Farbtönen malen lassen.

Hoffnungslose Stühle

Stefan Inauen ist ein Meister der Kombination – nicht nur der Farben oder von Farbe und Holz, sondern auch der Dinge, der Gebrauchsgegenstände, der Motive aus der Kunstgeschichte, der Volkskunst und dem Alltagsleben. Wer im September die OpenAirStudioShow des Künstlers besuchte, konnte einen guten Eindruck davon gewinnen: Im Stall neben seinem Wohnhaus in Appenzell, direkt neben der dichtbefahrenen Gaiserstrasse und der Gleise der Appenzellerbahnen, zeigte er seine jüngsten Werke. Die gesägten Holztafeln, die gerahmten Aquarelle, die Kartonreliefs mit aufgesprayten Formen aus den Jahren 2021 und 2022 und die «Friends of hopeless chairs» – eine seit 2024 entstehende Serie aus ausrangierten Stühlen. Auch sie ist ein Beispiel für Inauens Vertrauen in die Kraft unerwarteter und ungewohnter Verbindungen oder wie es der Künstler formuliert: «Es lohnt sich, einfach mal zu machen.» Da trifft ein Bauernstuhl auf ein sperriges, neuzeitliches Sitzmöbel, ein Biedermeierstuhl auf Industrieblech oder der weisse Kunststoffklassiker Monobloc auf einen querliegenden Baumstamm. Ein anderer Monobloc mutiert zur freien Plastik und zum Bildträger für gesprayte Abstraktion.

Zeug, Zitate und andere Zutaten

Jetzt, im Oktober, ist diese Studioschau im Stall beendet und die Kühe sind wieder da. Aber gleich nebenan, unter demselben Dach hat der Künstler Atelier und Werkstatt, sägt, sprayt, baut und arbeitet ausserdem an seinem nächsten grossen Projekt, dem Pop-Up-Store. Dafür hat er 2026 den Werkbeitrag der Innerrhoder Kunststiftung erhalten: Stefan Inauen will einen ausgedienten Wohnwagen zum Laden umfunktionieren. Um Kommerz geht es dabei nicht, sondern um die Kunst. Das Gefährt bestückt Inauen mit eigenen Werken, mit nachgebauten oder ausgeliehenen Arbeiten anderer, mit Zeug, Zitaten und vielen anderen Zutaten, die sich noch finden werden. Gefüllt und umgestaltet wird der Wohnwagen Station machen im Dorfkern von Appenzell. Wird er in der Hauptgasse auftauchen, neben Appenzeller Käs und Chüeligurt? Wird er am Landsgemeindeplatz für Irritationsmomente sorgen? Wird er Menschen mit zeitgenössischer Kunst in Kontakt bringen, die eigentlich auf den Spuren der Appenzeller Traditionen unterwegs sind? Kommt überhaupt jemand? Wer weiss? Wie so oft geht Stefan Inauen ein Wagnis ein: «Ich will aus meiner Komfortzone. Ich lebe hier, arbeite hier, also muss ich hier dafür sorgen, dass etwas passiert.»

Kunst statt Zündhölzern

Was ihn reizt, das probiert Stefan Inauen aus, lustvoll stürzt er sich in Experimente. So ist der Pop-Up-Store auch ein Selbstporträt. Er setzt damit nicht auf Erprobtes, sondern exponiert sich und stellt sich dem Ungewissen: «Ich nehme wieder einen neuen Abzweig.» Sicher ist: Wer nicht vorbeischaut, hat etwas verpasst. Das gilt auch für Stefan Inauens Night Collections. Diese Ausstellungsreihe ist vor dreieinhalb Jahren am Dorfrand von Appenzell angekommen, in der ehemaligen «Zöndhölzli-Fabrik». Seit der Schliessung 1911 wurde der kleine, weiss getünchte Bau über 100 Jahre lang als Lager genutzt, bevor Inauen 2022 begonnen hat, ihn als Kunstort zu beleben. Nun hat er für ein Jahr Salome Bänziger und Meagane Zurfluh mit ihrem kuratorischen Projekt olin.rough hierher eingeladen. Sie zeigen Werke zur Frage, was vom Menschen bleibt, wenn seine Individualität sich auflöst, und erinnern auch an jene, die hier Zündhölzer herstellten: Der Westschweizer Romain Crelier platziert Becken mit Altöl. Die schwarze Flüssigkeit spiegelt den kleinen Raum, thematisiert aber auch die Produktionsbedingungen und ihre Folgen für Mensch und Natur. Der St.Galler Marc Hansjörg Lieberherr versucht, die flüchtige Spur des Menschen zu fassen, indem er anthropomorphe Konturen mit Hammerschlägen in grossformatige Bleche treibt. Perfekt passen diese beiden Positionen in den schmucklosen Raum und verstärken den Kontrast zur umliegenden Idylle, der Wiese, den Bergen, dem nahen Wald. Noch bis April 2027 ist «Rohzustand*État Brut» zu sehen. Der Schlüssel dafür ist beim Tourismusbüro hinterlegt; auf diese Weise ist allen der Zugang unkompliziert möglich, so wie es Stefan Inauen wichtig ist: Die zeitgenössische Kunst – und nicht nur seine eigene – soll präsent sein und gesehen werden.

Martin Blum ist Landwirt, Künstler, Kurator, Vermittler. Er begreift Landwirtschaft als kulturelle Praxis und pflegt auf seinem Hof den künstlerischen Austausch. Sein kreatives Handeln setzt sich bis in die Küche fort.

Kein Laut in Samstagern. Sobald der Zug den kleinen Bahnhof verlassen hat, liegt Stille über dem Ort. Kein Verkehr, keine Bahnhofsbeiz, keine Leute – hier Kunst auszustellen ist nicht unbedingt naheliegend. Anderthalb Kilometer entfernt vom Dorfkern sieht das anders aus: Der Hof Blum ist Bauernhof, Kunstort, Experimentierfeld, Laden. Alles passt zusammen. Auf zwei Silos trotzen Bilder von Monica Ursina Jäger seit fünf Jahren dem Wetter. Über die Scheunenwand zuckt seit zwei Jahren ein Neonlichtblitz – eine Arbeit von Una Szeemann. Im Hofladen mimt ein schwarzer Holzbalken von Markus Müller eine Tragkonstruktion und unterläuft die Deutung im selben Moment mit eleganter Drehung. Überall auf dem Hof ist Kunst zu finden: ortspezifisch, aktuell oder als Relikt früherer Ausstellungen.
Seit über 15 Jahren bewirtschaftet Martin Blum das Land am Dorfrand von Samstagern auf ökologische Weise – und zeigt Kunst unter dem Motto Froh Ussicht. Die Verwandtschaft von beidem liegt für ihn auf der Hand: «Es geht da um Grundlegendes, um eine Ur- oder Primärproduktion.» Martin Blum weiss, wovon er spricht. Nach einer Ausbildung zum Landwirt studierte er Kunst in Basel. Als er den Hof seiner Eltern übernahm, reihte er sich in eine lange Tradition ein: «Mein ganzer Stammbaum ist voller Bäuerinnen und Bauern, fast alle waren immer Landwirte.»

Kunst statt Ferien

Wer einen Bauernhof betreibt, ist an die Scholle gebunden – statt sich wie im Kunstbetrieb auf Auslandsateliers zu bewerben, an unterschiedlichsten Orten auszustellen und ein internationales Netzwerk zu pflegen, oder wie es Martin Blum ausdrückt: «Ich habe keine Zeit. Ich kann hier nicht weg.» Also muss etwas auf dem Hof passieren – zum Beispiel ein kleines Fest auf der Terrasse hinterm Haus. Als Albert Baggenstoss, Dorfbäcker und DJ im benachbarten Richterswil, vorbeikommt, um seine Musikanlage nach dem Fest wieder abzumontieren, entspinnt sich ein Gespräch über die Arbeitszeiten in Bäckereien und auf Bauernhöfen, die nicht unbedingt zu jenen des Kulturbetriebs passen. Und Ferien gibt es für Blum sowieso keine. Umso wertvoller ist Arbeit mit den Künstlerinnen und Künstlern: «Das ist grossartig für mich. Dadurch bekomme ich einen Blick von aussen.» Um zu wissen, wessen Werke er zeigen möchte, reist Martin Blum allerdings doch: «Ich gehe viele Ausstellungen in der Schweiz anschauen. Und ich besuche in Basel die Ausstellungen der Schweizerischen Kunstpreise. Da sehe ich am meisten. Ich gehe dorthin, um gezielt Positionen auszuwählen, die mich interessieren.» Seit drei Jahren trifft Blum die Auswahl nicht mehr allein. Gemeinsam mit Carole Kambli und Sabine Rusterholz Petko hat er für die Froh Ussicht den dreiteiligen Ausstellungszyklus Expanded Fields entwickelt. Im aktuellen Jahr steht er unter dem Motto Tradiction – einer Wortschöpfung aus Contradiction und Tradition, so Martin Blum: «Tradition und Landwirtschaft werden für nationalistische Argumentationen herangezogen. Hier ist es wichtig, die Deutungshoheit zu behalten, damit beides nicht in einem engstirnigen Sinn bewirtschaftet wird.»

Mondmost und Löwenzahn

Martin Blum kennt viele Landwirte mit einem offenen Geist. Sie experimentieren mit Permakultur, Gründüngungen, Agroforst und syntropischer Landwirtschaft. Auch die Kunst beschäftigt sich mit Fragen rund um Natur, Umwelt und Ressourcennutzung, so beispielsweise Hanes Sturzenegger. Der Künstler arbeitet mit den alten Hochstammbäumen in Martin Blums Obstgärten. Mit dem Mikrobiom dieser Bäume belebt er pasteurisierten Süssmost und überführt ihn in einen Fermentationsprozess. Der daraus entstandenen «Mondmost» kann auf dem Hof degustiert werden und ist das Ergebnis eines vielschichtigen Beziehungsgeflechtes.
Ungewohnte Wege geht Martin Blum immer wieder – wenn er wirtschaftet und wenn er kocht: «Ich koche nicht mit Plan. Es gibt, was es gibt. Aktuell zum Beispiel Catalogna – eine Art Löwenzahn. Ich will, dass die Leute das kennenlernen und ich muss nicht einkaufen.» Dass er gern kocht und viel, «kommt auch aus meinem Elternhaus. Meine Mutter hat extrem viel gekocht. Sie hat sich eine effiziente Küche eingerichtet, die ich jetzt nutze. Von Kühlschrank zu Kochplatte, von dort zu Abwaschbecken – zwischen allen Arbeitsschritten braucht es immer nur zwei Schritte.» Martin Blum verpflegt sein mittags sein eigenes Team und zweimal pro Woche ist «überbetriebliches Kochen» angesagt, dann «wechseln wir uns mit dem Team vom benachbarten Bauernhof ab.» Nach seinen Rezepten gefragt, winkt er allerdings ab: «Wenn ich jeweils die Zutaten durchgehe und sehe, was davon ich da habe und was alles nicht – dann Tschüss…» – wer braucht schon Rezepte, wenn die Natur so grosse Vielfalt und Abwechslung bietet.

Olaf Breuning lässt sich begeistert auf die jüngsten technologischen Entwicklungen ein und anerkennt zugleich deren Grenzen. Deshalb bleiben Kamera und Bleistift wichtige Arbeitsgeräte für den gebürtigen Schaffhauser. Auch inhaltlich setzt der Künstler auf Kontinuität: 25 Jahre nach seiner grossen Einzelausstellung Apes im Museum zu Allerheiligen kommt er nun mit Humans dorthin zurück.

Bigfoots sind keine Yetis. Der riesenhafte Schneemensch ist angeblich im Himalaya zu Hause. Bigfoot hingegen stapft durch die Wälder Nordamerikas – jedenfalls der Legende nach. Und durchs Museum zu Allerheiligen: Auf der Wand vor den Ausstellungssälen halten vier der behaarten Humanoiden verwundert inne. Die zotteligen Wesen haben die namengebenden riesigen Füsse, grosse Hände und einen auffallend aufrechten Gang.
Olaf Breuning (*1970) hat die vier aufgespürt in den weiten Kiefernwäldern in Upstate New York. Dort lebt der in Schaffhausen geborene Künstler, seit er vor zehn Jahren von New York City weggezogen ist. Dort konzipiert er seine Fotografien, zeichnet, malt, entwickelt Installationen und arbeitet mit sogenannter Künstlicher Intelligenz. Sein Spektrum der Techniken ist gross, auch in der Ausstellung in Schaffhausen. Eine Retrospektive präsentiert Breuning aber nicht: «In Schaffhausen sind die räumlichen Möglichkeiten begrenzt, deshalb habe ich mich entschieden, keine Malerei zu zeigen. Die Ausstellung ist auch keine Retrospektive, sondern erzählt die Geschichte der Humans.»

Krone der Schöpfung oder tragikkomische Figur?

Die Menschen also – sie sind seit Jahrzehnten Olaf Breunings zentrales Thema. Er lässt sie in seinen Werken die ganz grossen Fragen stellen und an kleinen Dingen scheitern. Sie strampeln sich ab, machen kaputt, was sie umgibt, und freuen sich über absurd erscheinende Freizeitvergnügungen. Eingekleidet in Kartonschachteln und von Papiersäcken verhüllt fragen sie beispielsweise «Can Someone Tell Us Why We Are Here?» in der gleichnamigen Fotografie (2006). Ein Kniff, der in vielen von Olaf Breunings Arbeiten funktioniert: Die Gesichter der Individuen sind verborgen, maskiert, stark geschminkt oder tragen Perücken. Die Fotografierten sind jemand anderes und können dadurch stellvertretend für viele agieren. Auch Tierverkleidungen nutzt Breuning häufig und stellt damit seit Jahrzehnten nicht nur die sogenannte Krönung der Schöpfung in Frage, sondern auch ihr Verhältnis zu anderen Lebewesen. So auch im jetzt in Schaffhausen ausgestellten Leave Me Alone (2024): Für die Fotografie schickte der Künstler vier Menschen in Bigfoot-Kostümen durch die Landschaft. Das Innehalten, ihr verdutzter Blick, der Kontrast des geordneten Grüppchens zur Natur – wer hat hier wen ertappt? Wer ist hier fremd und wer zu Hause?
Das Bild ist inszeniert, wie alle von Breunings Fotografien: Sie sind alle frontal aufgenommen und zeigen grosse Hingabe zu Details, Requisiten und Kostümen. Und sie balancieren zwischen Ironie und Witz. Breuning macht sich mit leisem Humor über die Menschen lustig, ohne sie zu verurteilen: Menschen posieren in albernen Dinosaurierkostümen, stecken zuhauf in Müllsäcken oder sind angemalt wie Kraftwerkstürme: mit rot-weisser Warnfarbe. Selbst, wenn ihnen die Natur entgegenruft: «Why can you not be nice with nature? What is wrong with you?» kann man den Menschen kaum böse sein, schliesslich gibt sich die Natur selbst menschlich: In Complaining Forest (2010) und Still Complaining Forest (2024) ächzt, schnauft und flucht sie in bester Comic-Manier.

Zeichnung versus KI-generiertes Video

Die Fotografie ist seit Olaf Breunings Studium an der Schule für Gestaltung in Zürich eng verknüpft mit einem zweiten Medium: «Als ich während des Studiums Fotografien konzipierte, habe ich zeichnend die Position der Menschen und Requisiten skizziert.» Parallel zu diesen Entwürfen entwickelte sich die Zeichnung für ihn als eigenständiges künstlerisches Ausdrucksmittel. So reiste Breuning mit Zeichenstift und Schiff über den Atlantischen Ozean und versammelte die entstanden Blätter 2006 im Buch Mary II. Zehn Jahre später folgte der Band Drawings mit 200 Zeichnungen. Nun – wieder zehn Jahre später – hängt eine Serie von sechzig Zeichnungen in dichter Folge im ersten Saal der Schaffhauser Ausstellung: Sie zeigen den Menschen als scheiterndes Wesen, seine Misserfolge, aber auch den Willen weiterzumachen, zu helfen, wo es hoffnungslos ist, und nach Krisen wiederaufzustehen – oder wie es an anderer Stelle heisst: «What should I do, I am simply a human». Die Motive sind kaum mehr als handtellergross und mit sicherem Strich aufs Papier gebracht. Breuning schwärmt von der Einfachheit des Zeichnens: «Für mich ist es das Simpelste: Mein Kopf, ein Tisch, ein Stuhl, ein Schreiber, Papier – und schon kann ich loslegen.»
Für den Einsatz von sogenannter Künstlicher Intelligenz sind ungleich mehr Ressourcen notwendig. Nicht nur deshalb schlagen ihrer Nutzung in der Kunst einige Vorbehalte entgegen, stellen sich doch zusätzlich Fragen der Urheberschaft und des kreativen Wertes. Aber aufhalten lässt sich die Technik nicht, oder wie es Breuning formuliert: «KI wird die Welt überrollen.» Der Künstler zeigt in Schaffhausen erstmals mehrere Werke auf der Basis von KI. Eines davon ist die Rauminstallation Simple Human (2026): In einer Höhle hantiert ein urzeitliches Alter Ego des Künstlers mit allerlei Geräten und singt seine Ratlosigkeit über das Menschsein in die Kamera. Die Höhle selbst ist als wandfüllende Projektion zu sehen, der singende Künstler auf einem Smartphone an einem Stecken mitten im Raum. Der hölzerne Stab wiederum steckt in einem Stein. Mit dieser Montage bekommt das Video eine physische Präsenz, die computergenerierten Arbeiten sonst fehlt: «Das Arbeiten mit KI war supercool, aber für herkömmliche Videodrehs betreibe ich viel mehr Aufwand und bin als Künstler viel stärker involviert. Dort steckt schon im Produktionsprozess viel mehr Geschichte. Die Erinnerung daran fühlt sich intensiver, dichter an.»

Die Menschheitsgeschichte als blaues Seil

Auch in den acht Kurzvideos AI Characters (2026) nimmt Breuning jeweils eine andere Identität an und tritt als Astronaut, Segler, Druide, Arzt oder Teenage Popstar auf. Diesen Wechsel zwischen verschiedenen Identitäten hat KI sehr vereinfacht: «Ich habe es genossen, kein Make-up mehr auftragen und keine Requisiten organisieren zu müssen, um etwas anderes darzustellen.» Gleichzeitig stellt der Künstler klar, dass KI vor allem ein Instrument ist: «Die KI ist wie ein Schweizer Taschenmesser mit 100´000 Klingen. Ich war überrascht, wie viel sie übernimmt und wie gut sie obendrein aussieht. Aber ich verwende KI nicht um der KI willen, sondern weil es meinem Konzept dienlich ist.» Für Breuning liegt der Vergleich zwischen KI und der Zeichnung nahe: «Beiden gehen eine Idee und ein Konzept voran. Beides muss zu meiner künstlerischen Sprache passen. Ich werde KI nicht losgelöst verwenden. Am Ende des Tages muss es ein Olaf Breuning sein.»
Damit bleibt der Wiederkennungswert der Breuningschen Arbeiten hoch. Das gilt aber nicht nur optisch, sondern auch inhaltlich. Die roten Fäden ziehen sich unverwechselbar durch sein Schaffen. So gibt es 25 Jahre nach der Ausstellung Apes als Manor-Kunstpreisträger in Schaffhausen ein Wiedersehen mit Menschenaffen, zumindest mit einem Exemplar: Auf einem Marmorsockel hockt ein Bronzeaffe und hält das goldene Ende eines dreihundert Meter langen, blauen Seils fest. – In der Freilichtausstellung Art Môtiers ist aktuell ein Pendant des Affen mit rotem Seil zu sehen. – Hier wie dort steht das Seil steht für die viereinhalb Milliarden Jahre der Erdgeschichte. Die vergoldeten zwanzig Millimeter symbolisieren die Zeit des Menschen auf diesem Planeten. Schaut sie der Affe kritisch, ratlos oder zufrieden an? Breuning lässt das bewusst offen: «Ich bin kein missionarischer Künstler. Ich schaue in die Welt und mache mir Gedanken, aber ich habe nicht das Bedürfnis, die Menschen zu überzeugen.» Mit seinem vorurteilsfreien Zugang und seinem Humor entwickelt Breuning Kunst, die beides kann: entlarven und unterhalten, die Schwachstellen in den Blick nehmen, ohne die Menschen blosszustellen.

Olaf Breuning: Humans
Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen, bis 29.9.
allerheiligen.ch

Deindustrialisierung und Säkularisierung als Treiber von Transformation

Den Landeskirchen laufen die Mitglieder davon. Euphemistischer ausgedrückt: Die Bedeutung der Kirchen wandelt sich, aber ihre Bauten sind nach wie vor architektonische Schwergewichte in Stadtzentren und Quartieren. Folglich wird nach angemessenen, alternativen Nutzungen für sie gesucht. Diesem und einem anderen grossen Strukturwandel, der seit Jahrzehnten eine ganze Region prägt, widmet sich die Manifesta 16: Die europäische Wanderbiennale feiert ihr dreissigjähriges Jubiläum im Ruhrgebiet in zwölf Kirchenbauten in Essen, Duisburg, Gelsenkirchen und Bochum. Sie wurden alle in der Nachkriegszeit neu- oder wiederaufgebaut und dienen nun als Veranstaltungslokal, Kulturort, Treffpunkt, Teestube. Die Kunst ist darin nicht Beiwerk, sondern motiviert den neuen Blick auf die ehemals sakralen Räume. Unsentimental geht sie mit dem materiellen Erbe um, in Essen zum Beispiel mit den Kirchenbänken: Nasan Tur liess Wünsche und Fragen in die Bänke schnitzen und stellt sie hochkant in den monumentalen Kirchenraum von St.Gertrud. Jarosław Kozłowski schichtet St.Mariens Möbel sorgfältig zu einem Haufen: Sie sind ausrangiert und doch präsent. In der Markuskirche baut Augustas Serapinas aus den alten Bänken einen Turm, der dem Publikum die sonst verborgene Empore enthüllt und es näher an eine Soundinstallation von Lilli Lake bringt.
Auch umgenutzte Industrieareale gibt es viele im Ruhrgebiet, aber diejenigen, die dort arbeiteten, werden selten gewürdigt. Die Manifesta geht da einen anderen Weg. So stellen Pınar Öğrenci und Wilhelm Sasnal in St.Anna in Bochum die Bergleute in den Mittelpunkt zweier Videoarbeiten: Die Berliner Künstlerin zeigt in Glück auf in Deutschland (2024) Menschen, deren Lebensläufe von so beschönigend benannten Vorgängen wie Personalbereinigung, Humankapitalabbau oder Restleistungsvermögen geprägt waren. Sasnal filmte für Centrum (2004) die Bergleute der polnischen Stadt Bytom: Die Arbeit ist schwer, die Atmosphäre bedrückend.
In der Thomaskirche in Gelsenkirchen stehen die Frauen im Vordergrund. Textiles Handwerk pflegen sie nicht nur als zweckdienliche Praxis, sondern auch zum persönlichen Ausdruck und Austausch. Zu sehen sind unter anderem Werke der Textildesignerin Atiye Altül, Strickarbeiten von Fatma Ceylan und Fotografien von Asimina Paradissa. Solche thematischen Schwerpunkte setzt die Ausstellung in mehreren Kirchen. In St. Anna in Gelsenkirchen beispielsweise zeigt sich, wie Musik Heimat bieten oder nicht gesellschaftskonforme Codes transportieren kann. Ebenfalls in Gelsenkirchen, in St. Bonifatius, einem Backsteinbau auf wabenförmigem Grundriss, sind malerische Positionen von migrantischen Künstlerinnen und Künstlern versammelt, die in Deutschland zuerst in der Industrieproduktion arbeiteten, dann Kunst studierten und zur Figuration fanden.
Drei Tage lassen sich gut investieren für diese sorgfältig kuratierte, aber geografisch weit ausgebreitete Schau. Wer weniger Zeit hat, sollte sie sich trotzdem nicht entgehen lassen – fast jede der zwölf Stationen wartet mit bedenkenswerten Transformationsansätzen auf.

Das ist keine Kirche
Manifesta 16 Ruhr
Duisburg, Essen, Gelsenkirchen, Bochum, bis 4.10.
www.manifesta16.org

Augustin Rebetez macht keine halben Sachen. Seine Kunst ist ausufernd und dicht zugleich. Er entwickelt anspielungsreiche Bildwelten – aktuell in der Kunsthalle Arbon.

Die Silbertiere sind gelandet. Wie sind sie angekommen? Federn und Flügeln haben sie nicht. Auch keine Beine, keine Arme. Ihr langer, glatter Leib geht nahezu ansatzlos in den Kopf über – wie bei einer Schlange. Oder hat dieser Kopf einen Vogelschnabel? Öffnet er sich eher wie das Maul eines Aals? Merkwürdige Mischwesen schlängeln sich auf dem Boden der Kunsthalle Arbon, richten sich halb auf, nehmen fast den gesamten Raum ein. Sind sie zu viert? Sind es fünf, die sich verknäuelt haben? Eine unergründliche Stimmung breitet sich in der Ausstellung von Augustin Rebetez aus. Auch der Sound trägt dazu bei: Bei einem seiner Arbeitsaufenthalte in Bangladesch hat der Künstler eine befreundete Sängerin um Lieder ihrer Heimat gebeten. Nun tönt Rims Stimme aus zwei Boxen. Die Texte werden für die wenigsten verständlich sein. Macht aber nichts, denn eindringlich sind die alten und fremdländischen Melodien trotzdem. Sie sind getragen von Inhalten, die sich universell mitteilen, wie Rebetez ausführt: «Eines der Hauptthemen ist die romantische Liebe.»

Verbindungen als Prinzip

Auch die silberfarbenen Wesen lassen sich in diesem Sinne verstehen, befinden sie sich doch in einem dichten Miteinander. Der 1986 in Delémont geborene Künstler verzichtet darauf, mit dieser Installation bestimmte Tierarten oder Monster nachzubilden, sondern bezieht sich auf grundsätzliche Fragen des Zusammenlebens: «In meiner Arbeit geht es mir um die Idee von Beziehungen, um Sehnsüchte und um universelle Gefühle.
Beziehungen brauchen Verbindungen – solche sind in Rebetez´ Werken überall zu finden. So zeigt er in Arbon eine kleine Grafik dreier Köpfe: Nabelschnüren oder Kabeln gleich führen Leitungen von einem zum anderen. Oder sind es Schläuche, Rohre? Biologische Hohlkörper wie Röhren und Adern? Eine Definition der Motive braucht es nicht, was zählt ist der Kontakt der Körper. Selbst die Nähe silbrigen Tiere zueinander lässt sich auf diese Weise lesen. Ihre Leiber – auch sie gleichen Leitungen – sind luftgefüllt. Ihre metallisch schimmernde Haut steht in einem starken Kontrast zu den rauen Oberflächen der Halle, zu dem aufgerissenen Asphaltboden, dem alten Anstrich der Stützen und Dachträger, den blinden Oblichtern.

Schwellenloser Zugang

Mit solchen «Inflatables» arbeitet Augustin Rebetez zum ersten Mal und schwärmt von den Produktionsbedingungen in Arbon: «Der Ausstellungsbeitrag ermöglichte mir diese grosse Installation. Zudem bietet die Halle viel Platz und einen engen Bezug zwischen Innen- und Aussenraum.» Hier gibt es kein Portal, keine Freitreppe, kein Foyer. Oft sind die Hallentore einladend weit geöffnet und geben den Ankommenden lange vor dem Eintritt den Blick auf die Installation frei. Nicht einmal eine Dämmung schottet die Halle vom Aussenraum ab, deshalb ist sind die Temperaturen innen die gleichen wie draussen. Die flirrende Sommerhitze passt zum Thema der Ausstellung «My Heart Is Full of You»: zur Nähe der Körper, zum Überschwang der Gefühle, zur Innigkeit der Gedanken oder wie es Rebetez in einer Serie von Druckgrafiken formuliert mit Sätzen wie «Hold Me Tight» oder «Skin Against Skin Again».
Augustin Rebetez hat für Arbon eine symbiotische Installation entworfen. Wer mehr von seinen dichten Bildwelten sehen möchte, sollte unbedingt die Maison Totale besuchen. Dort, in Bôle im Kanton Neuenburg, wohnt und arbeitet der Künstler. Hier verzahnen sich seine Werke miteinander und mit Haus und Garten. Jeweils von Juni bis September veranstaltet der Künstler vor Ort ein Festival mit Gastausstellungen, Konzerten und Performances.

Augustin Rebetez – «My Heart Is Full Of You»: bis Sonntag, 4. Oktober, Kunsthalle Arbon. 
kunsthallearbon.ch 
augustinrebetez.com

Aluminium schmilzt bei 660°, Kupfer bei über 1000°, Zink bei 419°. Diese Metalle zusammen zu giessen, erfordert Experimentierfreude, Geschick und eine gewisse Unverfrorenheit. Caline Aoun setzt nicht aufs Bewährte, sondern denkt die Dinge neu. Die 1982 in Beirut geborene und seit 2014 wieder dort lebende Künstlerin kennt die physikalischen Gesetzmässigkeiten; und sie probiert, riskiert, reizt deren Grenzen aus. So verbindet sie die Metalle zu langen Barren, denen die Hitze des Schmelzprozesses und die wirkenden Kräfte anzusehen sind. Die Colliding Forces (2026) gehören zu den statischen Werken der Ausstellung. Ein anderer Schwerpunkt liegt auf dynamischen Installationen. Beispielsweise kühlt Caline Aoun mit Aggregaten grosse Metallplatten und -rohre. Dadurch schlägt sich das Wasser aus der Raumluft an der Oberfläche nieder, gefriert, taut auf, tropft zu Boden. Befinden sich viele Menschen in der Ausstellung, steigt die Luftfeuchtigkeit und die Prozesse intensivieren sich. Aoun thematisiert hochaktuelle, ökologische Aspekte, zugleich weisen ihre Objekte Referenzen auf zur ungegenständlichen Malerei oder zur Arte Povera. Die Einzelausstellung ist die zweite, die sowohl im Kunstmuseum als auch in der Kunsthalle Appenzell zu sehen ist. In beiden Häusern präsentiert die Künstlerin Zustände, Momente der Veränderung und das Scheitern, wenn sie etwa Drucker zwingt, ihre Arbeit auch bei leeren Patronen fortzusetzen – Aoun bringt Materialien und Maschinen ans Limit.

Appenzell
Kunstmuseum und Kunsthalle, bis 25.10
kunstmuseum-kunsthalle.ch

Die Wegwarte besiedelt Grenzen. Sie wächst an Strassenrändern und Böschungen, an Waldsaum und Feldrain. In Heerbrugg spriesst sie nun schon zum zweiten Mal. Im ehemaligen SBB-Stellwerk steht der Name der hübschen, blaublühenden Pflanze für künstlerische und musikalische Sommerexperimente. In diesem Jahr hat der Verein Wegwarte das Kollektiv U5 und die Künstlerin Monika Stalder eingeladen. Zu Dritt werden sie an der Auflösung der Grenzen arbeiten. Mit ihrer multimedialen Installation erweitern sie den Raum bis ins Weltall hinein. Sie verwirbeln Astronomie, Astrologie, Textiles und Intuitives. Wer die bisherigen Arbeiten der Künstlerinnen kennt, weiss, es wird wunderbar schräg und schön. Und wer sie noch nicht kennt, darf sich auf eine wichtige Neuentdeckung freuen.
Die Kunst wird von einem dichten Musikprogramm aus der Region begleitet. Wegwarte 002 nimmt damit Anlauf, sich zu einer festen Grösse in der Kulturlandschaft des Rheintals zu etablieren.

www.wegwarte.space