Ulrike Kristin Schmidt

Das 17. «Obacht Kultur»-Heft ist da. Am 17. Dezember ist es erschienen und den Falten in allen Facetten gewidmet.

Endloser Schnee ist endloses Weiss. Weiss wie eine unbemalte, grundierte Leinwand. Weiss wie ein unbeschriebenes Blatt. Weiss wie eine unendlich grosse Projektionsfläche für Geschichten, Gedanken, Bilder.

Grönland, die Arktis, Gletscher, Packeis sind reale und zugleich grossartige Räume für die Phantasie. Sie lassen Mythen und Märchen ebenso wachsen wie Entdeckerträume und Forscherehrgeiz. Beide schliessen einander nicht aus, denn im endlosen Weiss ist Platz für die Flagge am Pol wie für die Halluzinationen Erfrierender, für die Technikschlacht im Dienste zeitgenössischer Wissenschaft wie für archaisch dämonische Schneewesen. Da nähert sich auch schon eines. Ein wenig wackelig, mit eingeknicktem Haupt, zottelig. Ein mutierter Eisbär, ein gekränkter Polarfuchs? Oder doch nur ein beraureifter Sensor aus der meteorologischen Station? Mirjam Kradolfer und Stefan Rohner siedeln ihre Ausstellung im Engländerbau genau in jenen Zwischenbereichen an, wo Wissen noch nicht konkret und Legenden noch im Realen verwurzelt sind. Dort, wo die Eiszapfen horizontal wachsen und Kopfreisen auf dem fliegenden Teppich beginnen, wo sich Nordlicht und Schneegestöber abwechseln.

Die beiden St.Galler Kunstschaffenden spielen mit all den Ambivalenzen, die das endlose Eis umgeben. Sie haben sowohl die Forschungsberichte der Naturwissenschaftler als auch die schöngeistige Literatur zu ewigem Frost und Schnee, zu Einsamkeit und Dunkelheit durchgearbeitet. All diese Erfahrungen und Imaginationen fliessen nun in die vielgestaltigen Werke ein und ergeben eine stimmige Inszenierung: Mirjam Kradolfers und Stefan Rohners Ausstellung nimmt das Weiss des Ausstellungsraumes wörtlich und verwandelt ihn in eine Polarlandschaft. Hier wird die Sehnsucht nach der unberührten Weite gestillt, hier warten Sehabenteuer auf irdische Helden.

Publiziert in Kulturmagazin Liechtenstein und Broschüre zur Ausstellung

Das Kunstmuseum St.Gallen zeigte derzeit Werke des in Herisau und St.Gallen aufgewachsenen Künstlers Francisco Sierra. Die Publikation zur Ausstellung wurde am Freitag vorgestellt.

Es ist eine Grundsatzentscheidung bei jedem Ausstellungskatalog: Soll er pünktlich zur Eröffnung erscheinen? Dann muss auf die fotografische Dokumentation der eben erst fertig installierten Ausstellung verzichtet werden, denn Gestaltung, Druck und Bindung brauchen Zeit. Oder soll das Buch Bilder aus der Ausstellung enthalten, dann aber verspätet erscheinen? Kann dann noch genügend Aufmerksamkeit für die Publikation gewonnen werden? Wie das funktioniert, zeigt das Kunstmuseum St.Gallen mit dem Katalog zur Ausstellung des Manor-Kunstpreisträgers Francisco Sierra.

Das Buch wurde am vergangenen Freitag vorgestellt, die Eröffnung lag da schon einen Monat zurück. Aber das Warten hat sich gelohnt, erstens ist die St.Galler Schau mit ihrer ausgewogenen und grosszügige Hängung auf teilweise intensiv roten Wänden nun auf mehreren Doppelseiten bestens dokumentiert (Fotografien: Stefan Rohner). Andererseits war das Erscheinen des Buches der Anlass für einen eigens gestalteten Abend in Anwesenheit des Künstlers und musikalisch gestaltet von Noëlle-Anne Darbellay. Angekündigt war eine Performance der preisgekrönten Musikerin, die dann zwar etwas kürzer ausfiel als geplant, aber nichtsdestoweniger eindrücklich war.

Darbellay, die Frau des Künstlers, hat wie Sierra selbst ein Violinstudium in Utrecht absolviert. Doch so wie Francisco Sierras Gemälde nie das sind, was sie auf den ersten Blick zu sein scheinen, ist auch eine Violine ein mehrdeutiges Objekt. Sie lässt sich so verwandeln, dass die Streichmusikerin unversehens auch Blasmusik spielt: Sierra und Darbellay haben ein Violinophon kreiert – eine Violine ohne Korpus, dafür mit Schlauch und etwas verbeultem Trichter. Noëlle-Anne Darbellay intonierte Storms Gedicht „Die Nachtigall“ und hat, so wie die Nachtigall, auch selbst noch gleich gesungen. Zwar nicht die ganze Nacht wie der vom Dichter in Verse gebannte Vogel, aber doch immerhin ebenso mit süssem Schall, mit Stormschen Hall und Widerhall.

Noëlle-Anne Darbellay kann aber auch ganz anders. Ein Filmmitschnitt eines Konzertes in der Martinskirche Basel zeigte sie Styropor zergeigend und Bogen zerbrechend. So wild ging es im Kunstmuseum dann doch nicht zu. Statt dessen nahm Direktor Roland Wäspe noch eine Würdigung der Autorin und Autoren des Buches vor. Unter ihnen der auch anwesende Christoph Vögele vom Kunstmuseum Solothurn. Zeitgleich zu St.Gallen präsentiert das Haus eine Ausstellung mit Zeichnungen von Francisco Sierra. diese sind nun ebenfalls im Buch dokumentiert, und eine Raumaufnahme zeigt besonders, wie sich das Werk des 1977 in Chile geborenen Künstlers verzahnt: Das merkwürdige Meringue-Gespenst mit Hitlerschnauz aus dem Gemälde „Im Park“ ist in Solothurn als Skulptur zu sehen. Die Entscheidung, statt zwei kleiner Bücher ein grosses zu veröffentlichen, kommt also nicht nur dem ohnehin schon stattlichen Manor-Kunstpreis-Bücherstapel des Kunstmuseums zugute. Sie erlaubt auch einen umfassenderen Einblick ins Werk des jungen Künstlers.

Bei der ehemaligen Käsehalle ist ein Umbau in Sicht, doch zuvor bespielt die Guerilla Galerie den Raum. Der Zürcher Künstler Markus Kummer arbeitet die marode Schönheit des Raumes heraus.

Eine Ausstellung, die nur vier Tage dauert. Ein Lebensmittelgeschäft, das nur samstags geöffnet hat. Die Guerilla Galerie und die ehemalige Käsehalle in der Magnihalde haben durchaus etwas gemein. Nur, dass die Käsehalle vor zwei Jahren für immer schloss und in der Guerilla Galerie zwar ein Jahr lang nichts mehr zu sehen war, aber nun endlich wieder ein Ort und ein Künstler aufs Beste zusammen geführt werden.

Der Verkaufstresen, die Tablare – das wenige Mobiliar der Käsehalle wurde längst entfernt. Als Markus Kummer das Gebäude in der Magnihalde zum ersten Mal sah, war der Raum leer. Beinahe. Denn auch nach dem Auszug des Käseladens ist noch ist vieles im Raum erhalten und manches sogar neu hinzugekommen. Zum Beispiel die Eingriffe zur Gebäudesondierung: Um die Bausubstanz zu klären, wurden quadratische Stücke des Putzes entfernt. Dahinter ist das Mauerwerk zu sehen, darunter sammeln sich Staub und Steinchen. Genau diese Details interessieren Markus Kummer. Gross sind die Eingriffe des Zürcher Künstlers (*1972) nicht, aber wirksam. So gipst er etwa in eines der Sondierungsquadrate ein grosses Stück Stoff ein und verputzt die Wand an dieser Stelle neu. Der Stoff, gehalten durch Gips und Putz, hängt nun mit fast symmetrischem Faltenwurf genau  mittig an der Rückwand. Zufall und auch wieder nicht. Kummer ist aufmerksam. Er geht den Proportionen des Baus ebenso auf den Grund wie dem Material und all jenen Gegebenheiten, die das Gesamtbild der Halle formten. Und er entwickelt sie weiter.

Indem er die Mitte der Rückwand markiert, betont er die Symmetrie der Eingangsseite mit den hohen Fenstern links und rechts neben der Tür. Von dort wandert der Blick zur Decke und den an Ketten aufgehängten Neonröhren. Zumindest zu einer der beiden, denn die andere ist verschwunden. Dafür reichen die Ketten und das Kabel bis auf den Boden, ja durch ihn hindurch. Wer den Fortgang ergründen will, muss ins Untergeschoss. Dort beleuchtet nun die zweite Neonröhre den Naturkeller mit den morschen Planken, rostigen Eisenträgern und herumliegendem Güsel. Es sieht chaotisch aus, doch Kummer setzt ausbalancierte Masse dagegen und gibt dem Raum sein Gleichgewicht zurück.

Seine Interventionen sind so passgenau, dass sie mitunter gar nicht als solche erscheinen. Für „Open Source“ etwa zieht er ein Kabel durch ein gebogenes und unter Putz gelegtes Rohr. Wozu es einst diente, ist unklar, doch jetzt gehört es selbstverständlich dazu, ganz genauso wie die Glühbirne. Vorgefundenes mischt sich mit gezielt Platziertem.

Immer wieder wecken Materialien und Form Erinnerungen an die Kunst der 1960er Jahre. Kummer kennt die Quellen spätestens seit seinem Studium an der HKB Bern und verwendet sie gekonnt in neuem Kontext. Er setzt sich mit der Kunst ebenso auseinander wie mit den Konventionen der Architektur. In der Konsequenz bleibt er, statt eine Materialschlacht zu inszenieren, in der Wahl der Arbeiten bewusst ökonomisch. So wie die Guerilla Galerie mit der Zahl ihrer Auftritte. Es wäre trotzdem schön, wenn‘s bis zum nächsten nicht wieder ein Jahr dauert.

Werke von Barbara Kruger waren bereits zweimal im Kunsthaus Bregenz zu sehen, aber nie in einer Einzelausstellung. Nun ist es soweit und die Solo-Schau ist gleichzeitig ihre erste in Österreich. Sie vereint Bekanntes und weniger Bekanntes wie etwa eine Videoinstallation in einem stimmigen Gesamtbild.

Was für ein Auftritt! Barbara Krugers Arbeiten und Peter Zumthors Architektur finden im Kunsthaus Bregenz zu einer perfekten Symbiose. Kruger hat in den vergangenen Jahrzehnten immer wieder raumgreifende ortsspezifische Wort- und Schriftinstallationen realisiert, aber mit der aktuellen Einzelausstellung steigern sich Raum und Schrift gegenseitig in ihrer Wirkung wie nie zuvor.

Kruger verwendet in ihren Wortarbeiten ausschließlich die 1927 von Paul Renner entwickelte Futura – eine Schrift, die ob ihrer Prägnanz eine der populärsten Schriftarten des 20. Jahrhunderts wurde. Im Kunsthaus Bregenz setzt sie die amerikanische Künstlerin in ihren grossflächigen, prägnanten Typographien auf Wand, Boden und Fassade ein. Mit jedem eigens für das Kunsthaus entwickelten Werk betont sie ein anderes architektonisches Element des Zumthor-Baus. Im ersten Stock bringt ein den Boden vollständig bedeckendes Schriftbild die kahlen Betonwände einerseits und die Atmosphäre des Raumes andererseits zur Geltung, sein Licht, seine hermetische Grosszügigkeit. Das gelingt auch durch den Kontrast zur Videoinstallation im abgedunkelten Stockwerk darüber. In der obersten Etage bilden das Oberlicht und der hellgraue, geschliffene Terrazzoboden die Spange für ein präzise über alle Wandflächen gesetztes Statement. An der Fassade prangt eine 400qm grosse, bedruckte Plache: Die Transparenz ist verhüllt und weist zugleich auf das Innere des Hauses hin.

Kruger hatte anlässlich einer Ausstellung in der Frankfurter Schirn die Architektur als ihre erste Liebe bezeichnet. In Bregenz zeigt sich, dass diese Leidenschaft ungebrochen ist und von einem profunden Verständnis für den Raum und seine Besonderheiten getragen wird. Entstanden ist eine formal höchst ästhetische Ausstellung.

Und inhaltlich? Barbara Krugers gestalterisches Vokabular ist schon seit den frühen achtziger Jahren ihr Markenzeichen, aber auch ihre Themen sind konstant dieselben und es ist abzusehen, dass sie sobald nicht obsolet werden: Mit ihrer Kunst führt Kruger feministische, politische oder klassentheoretische Debatten weiter, setzt sich kritisch mit Konsumkultur auseinander und für Menschenrechte ein. Mittlerweile sind ihre Werke so dimensioniert, dass kein Entkommen möglich ist. Zudem tragen die Aussagen, Vorschläge und Gedanken allein schon ob ihrer Grösse stets ein Ausrufezeichen: “Gewalt lässt uns vergessen, wer wir sind” – und alle sind gemeint.

Konstruiert die Sprache die Welt? Die Wirklichkeit? Die Wahrheit? Die Vergangenheit? Wie funktioniert unsere Sprache im Umgang mit der Welt? Wie verknüpfen wir Sprache mit Bedeutung? Gibt es, was sich nicht sagen lässt? Die Sprache ist allumfassend, sie ist Werkzeug und Methode. Sie ist Gegenstand der Wissenschaft, der Philosophie, der Kunst. Sie lässt sich manipulieren, formen, beherrschen und ist doch unerschöpflich und komplex. Sprache wird bewusst oder unbewusst eingesetzt, um Gedanken, Geschichte und Gefühl zu formen. Ein Wörterbuch scheint da noch das objektivste Medium. Doch bereits dort fängt die Zweideutigkeit an. Selbst im Wörterbuch finden sich Sätze, die weder harmlos noch neutral sind, sobald sie auf die Welterfahrung der Lesenden treffen und das tun sie unweigerlich. Dani Gal hat das Oxford Dictionary durchgearbeitet und in einer achtjährigen Arbeitsphase sämtliche Beispielsätze herausgelöst und hintereinander in einem Buch abgedruckt. Das Layout gleicht dem eines Romans und suggeriert damit einen ähnliche inhaltlichen Zusammenhang der Sätze. Tatsächlich aber fügen sie sich nur durch das Gelesenwerden zu einem Text. In der jüngsten Variante der Arbeit funktioniert nicht einmal das mehr: In der monographischen Ausstellung in der Kunst Halle Sankt Gallen projiziert der Künstler die Wörterbuchsätze zu zweit nebeneinander nach dem Zufallsprinzip. Dinge, Beobachtungen, Bekanntmachungen, Gedanken, Wünsche, Hoffnungen fliessen gleich dem Joyceschen Bewusstseinsstrom vorüber, aber jeder Satz, jede Wortgruppe steht für sich. Durch die Zufallssteuerung haben sie vielleicht nie wieder denselben Vorgänger oder Nachfolger oder Nachbarn. Dennoch beeinflussen sie einander. Ein Satz öffnet ein Assoziationsfenster. Automatisch versuchen wir den nachfolgenden Satz dort zu integrieren. Es gelingt fast immer, denn Dani Gals Projektion eröffnet unendliche Denkräume. Ist es beispielsweise möglich, den Satz  „She wrote something on a small piece of paper.“ zu lesen, ohne sich jene Sie und ihr Geschriebenes oder den Grund ihres Schreibens vorzustellen?

Die Geschichten beginnen sich zu schreiben, die Lücken werden unwillkürlich gefüllt – Mechanismen des Denkens laufen ab. Auch bei jenem Radiogespräch zwischen John Cage und Morton Feldman. Es wurde im Januar 1967 geführt, aber im Archiv hat sich nur eine beschädigte Aufnahme erhalten. So steht der für die ganze Ausstellung titelgebende Satz „Do you suppose he didn´t know what he was doing or knew what he was doing and didn´t want anyone to know?“ ohne direkten Vorgänger da und erhält in der Endlosschleife einen neuen Nachfolger. Der Satz führt ins Leere und doch auch wieder nicht. Zudem zeigt er, wie kleinste Änderungen in Wortstellung oder Buchstabenanordnung die Bedeutung vollständig verändern, ja, in ihr Gegenteil verkehren können. Kleinste Verschiebungen ziehen grösste Konsequenzen nach sich. Das gilt für das oben aufgeführte Beispiel ebenso wie für die Kommunikation im Alltag und im gesamten gesellschaftlichen Kontext. Wenn Dani Gal den nationalsozialistischen Architekten Albert Speer über Reichshauptstadtprojekt Germania sprechen lässt und dieser erst von Hitlers „grössenwahnsinnigem Vorhaben“ redet und es dann in „unser grössenwahnsinniges Vorhaben“ korrigiert, zeigt sich die bedeutungskonstituierende Kraft eines einzigen Pronomens. Die geschilderte Szene ist Teil des Filmes „Wie aus der Ferne (As from Afar)“. Der knapp halbstündige Film wurde von der Kunst Halle Sankt Gallen koproduziert und thematisiert im Stil eines Reenactment die Freundschaft zwischen dem Holocaustüberlebenden Simon Wiesenthal und Albert Speer. Den Rahmen bildet ein Text Ludwig Wittgensteins über Gedächtnisbilder. Der Film ist voller Querverweise sowie komplexer Zeit- und Raumverschränkungen. Das dichte Bezugsgeflecht auf der Basis umfassender Recherchen trifft auf assoziationsreich gesetzte Bilder und Dialoge. Der 1975 in Jerusalem geborene und in Berlin lebende Dani Gal präsentiert in der Kunst Halle Sankt Gallen inhaltlich und ästhetisch höchst aufgeladene Werke.